3. Historia en la música

Sin la invención de la grabación de sonido por Thomas Alva Edison en el año 1877 con su fonógrafo de papel plateado, no podríamos disfrutar de la música grabada y no nos enfrentaríamos a preguntas como qué piano de la nueva biblioteca de sonido encajaría mejor en mi última canción. Los músicos de la época de Edison estaban acostumbrados a confiar en sus propias habilidades de reproducción y, con ello, eran muy pocos los contemporáneos en ese momento capaces de intuir el potencial detrás de la grabación de sonido. Tuvo que pasar un tiempo antes de que el enfoque técnicamente receptivo también se plasmara en la producción de música activa. Solo las estaciones de radio, periodistas y recopiladores estaban interesados ​​en la nueva tecnología para preservar discursos históricos, arias o ruidos para la posteridad.

Fue el músico John Cage en 1939 el primero en registrar su performance Imaginary Landscape #1 a través de dos gramófonos con medidores de sonido con la ayuda de algunos manipuladores entre los asistentes durante la interpretación. El francés Pierre Schaeffer creó un nuevo género musical con sus 5 Etudes Aux Chemins de Fer de 1948, en el que incluía discos en el proceso de composición: nacía así la "Musique Concrete". Siguiendo todas las reglas del arte del DJ, los dispositivos de grabación trabajaban más lentos, más rápidos, en bucle o a la inversa. Y por primera vez, la música esencialmente solo estaba hecha de fragmentos de sonido y ruidos reproducibles, de forma análoga a cómo sería posible con el Sampling de hoy en día. Con el advenimiento de la tecnología de cinta magnética, también fueron posibles nuevas técnicas de edición, de modo que las composiciones se fueron volviendo cada vez más complejas y abstractas.

John Milton Cage Jr. (05.09.1912 - 12.08.1992)

En los años de la década de 1960, la proliferación generalizada de los dispositivos de grabación de sonido también se notó en términos de aplicación en la música. Muchos artistas experimentaron con sonidos de cintas o vinilos. Ya sea Stockhausen con su obra Kontakte (1960) o "The Dark Side of the Moon" de Pink Floyd, la aplicación técnica/artística se volvió cada vez más relevante para escapar de las estructuras musicales antiguas de manera innovadora. Hoy sorprende más aún que con las librerías de sonido se está tratando de hacer posible un enfoque "habitual" con instrumentos naturales nuevamente...

Las cintas y grabaciones utilizadas en ese momento generalmente se registraron específicamente antes del uso real y, por tanto, eran originales desde el principio. No había la pretensión del uso como bibliotecas de sonido para comercializar de forma objetiva. Los sonidos utilizados tenían que gestarse de forma creativa, y solo con el desarrollo del Mellotron, un sampler basado en el magnetofón, pudieron usarse para un conjunto acústico de sonidos listos (¡en tres presets!). La flauta de introducción en "Strawberry Fields" de los Beatles (1966) se coló en innumerables otras producciones.

Mellotron de Streetly Electronics

Mellotron a los cuatro vientos, porque el Mellotron ya era simbólicamente, como en la década de 1980 de las cajas de ritmos, el pan de cada día para el músico profesional vivo. A finales de los años 60s disponer de montones de cintas con diferentes sonidos para el Mellotron era solo una cuestión de dinero: nacían así las librerías de sonidos.

Fairlight CMI

Y entonces la sensación vino de Australia: Fairlight presentó, como primera firma, un sampler digital por la friolera de 180,000 DM de 1979, capaz de "coleccionar = samplear" sonidos y reproducirlos en cualquier contexto musical o no musical. A pesar del equipo increíblemente primitivo del primer sampler (208 kb RAM, con frecuencia de muestreo máxima de 24 kHz (¡no ancho de palabra!), máx. 1 segundo duración de muestra, etc.), el CMI de Fairlight terminó con las adversidades del Mellotrón, como la incorrección extrema, inestabilidades de nivel y pitch o duración de reproducción insuficiente (el Mellotron no reproducía en bucle) y aportó hasta ahora una nueva dimensión de estética de sonido pragmática y calidad a la música: los sonidos se almacenaron digitalmente sin ruido, se convertía en código, se desmenuzaba y ajustaba de pitch, se filtraba, etc. Por primera vez en la historia del ser humano, se podían reproducir sonidos en tiempo real sin ninguna diferencia reconocible. Esto resultó en una experiencia absolutamente nueva a la que tanto músicos como consumidores tuvieron que enfrentarse por igual. Se necesitaban nuevos sonidos para dispositivos cada vez mejores, porque con las posibilidades también crecieron las demandas. Sobre todo en la música Pop crecía por momentos la exigencia de sonidos cada vez más eclécticos, por lo que eructos, ladridos de perros o sentencias al estilo de 'Everybody's cool' se usaron para innumerables éxitos gracias al sampling. El sonido de la flauta "Shakuhachi" de Emu se pasó tan lejos que es todavía una verdadera magnificencia. Se dice que el origen de este sonido también está en el Fairlight. Además de "Sledge Hammer", se encuentra en muchas otras producciones y ocasionalmente reaparece en pistas C-Ambient.

La oferta de sonidos y librerías de sonido crece extendiéndose día a día desde la aparición del sampler. Primeramente solo disponible en disquetes, ahora los datos se cuentan por gigabytes, para los cuales para empezar hay que asegurar espacio en el disco duro/SSD doméstico.